Les 22 tableaux les plus célèbres du monde et leur histoire | Artblr
22 œuvres d'art les plus célèbres du monde
De La Joconde au Cri, découvrez 22 des tableaux les plus célèbres du monde et l’histoire qui se cache derrière chacun d’eux.
Artblr··17 min de lecture·
En bref
Parmi les tableaux les plus célèbres du monde figurent La Joconde de Léonard de Vinci, L’École d’Athènes de Raphaël, La Création d’Adam de Michel-Ange, La Jeune Fille à la perle de Vermeer et La Ronde de nuit de Rembrandt. Leur technique, leur message et leur pertinence durable expliquent leur renommée.
Alors que le monde a vu beaucoup de peintures et d'œuvres d'art impressionnantes, il faut noter que parmi elles il y a celles qui sont restées intemporelles. Cependant, lorsque l'on parle des peintures les plus célèbres du monde, il est presque impossible de le faire sans parler des beaux-arts de la Renaissance et des peintres italiens de la Renaissance en particulier. Il est très important de déterminer ce que c'est qu'une grande peinture. Bien qu'il soit difficile d'identifier les principaux éléments qui contribuent à rendre une peinture particulièrement célèbre, il faut remarquer que la technique utilisée dans la création de l'art, l'idée qui est communiquée par le biais de l'art et la pertinence de l'art sont quelques-uns des facteurs qui contribuent à rendre une œuvre très célèbre. Tout comme le vin fin, certaines des plus célèbres peintures sont celles qui ont mûri à travers le temps. Une chose qui est cohérente pour toutes les œuvres d'art les plus célèbres, c'est qu'elles ont été créées par de vrais visionnaires et leurs peintures ont communiqué un message aux êtres humains. On s'attend à ce que les œuvres d'art les plus célèbres que le monde ait jamais vues soient tout aussi précieuses et coûteuses. Les œuvres les plus célèbres vous laisseront enchantés et fascinés tout en communiquant le message et l'inspiration de l'artiste. Voici 22 œuvres d'art les plus célèbres dans le monde.
1. Mona Lisa par Léonard de Vinci
Mona Lisa
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L’œuvre de Léonard de Vinci « Mona Lisa » est l’œuvre d'art la plus reconnue du monde. Elle est conservée au Louvre, à Paris. Le chef-d'œuvre qui attire peut-être plus de visites que d'autres peintures célèbres est aussi connu sous le nom de Joconde. C'est un portrait de Lisa Gherardini, épouse du riche marchand florentin Francesco del Giocondo. Certains spécialistes y voient un portrait de la mère de Léonard, d'autres croient que c'est un autoportrait de l'artiste lui-même. Cette peinture est admirée par tous les amateurs de l'art et des scientifiques. Elle donne au spectateur le sens de toucher l'harmonie et l'éternité. Elle doit sa grande renommée à ses hautes qualités artistiques, mais aussi à l'atmosphère de mystère qui entoure cette œuvre.
« L'École d'Athènes » est l'une des fresques les plus célèbres de Raphaël, l'artiste de la Renaissance italienne. En 1508, Raphaël a été officiellement nommé le peintre de la papauté et a peint les salles de cérémonie du palais du Vatican. Au centre du tableau, nous pouvons voir les deux penseurs Aristote (à droite) et Platon (à gauche). La signification de ces deux personnes était extrêmement grande pour la philosophie occidentale parce que les concepts de leurs écoles différentes ont été repris par le christianisme.
3. La création d'Adam par Michel-Ange
La Création d'Adam par Michel-Ange
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« La création d'Adam » est une fresque de Michel-Ange, peinte en 1508-1512. Elle fait partie du plafond de la chapelle Sixtine. La fresque illustre l'apparition d'Adam le premier homme à qui Dieu a donné la vie. Le sujet biblique de cette peinture est tiré du livre de la Genèse. La fresque fait partie d'un schéma iconographique complexe. Elle est chronologiquement la quatrième des neuf scènes de la série de panneaux représentant des épisodes de la Genèse qui sont peintes au centre du plafond de la chapelle.
« La création d'Adam » de Michel-Ange est l'une des peintures religieuses les plus reproduites de tous les temps. L'image des mains de Dieu et d'Adam qui se touchent presque est devenue emblématique de l'humanité. Le tableau a été reproduit dans d'innombrables imitations et parodies. La fresque est située sur le plafond de la chapelle Sixtine, dans la Cité du Vatican.
4. La Jeune Fille à la perle par Johannes Vermeer
La Jeune fille à la perle
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La peinture à l'huile sur toile « La Jeune Fille à la perle » est l’une des œuvres les plus connues faites par l'artiste hollandais Johannes Vermeer. Le tableau représente une jeune femme imaginaire en robe avec une très grande boucle d'oreille en perle dans un espace sombre peu profond ce qui attire l'attention du spectateur exclusivement sur la femme. Maintenant, l'œuvre réside en permanence au musée Mauritshuis de La Haye. Vermeer a réalisé juste 36 œuvres, attentives et réfléchies dépeignant souvent des femmes à des tâches quotidiennes. Ce style de peinture avec des scènes de la vie ordinaire a été appelé plus tard peinture de « genre ». La femme regarde le spectateur de ses grands yeux. Il nous semble qu'elle veut nous dire quelque chose parce que ses lèvres sont séparées. Certains experts comparent cette peinture avec la Joconde de Léonard de Vinci parce qu’elle a aussi un air énigmatique et mystérieux.
5. La Ronde de nuit par Rembrandt
La Ronde de Nuit
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Le plus célèbre tableau de Rembrandt est connu sous le nom de la « Ronde de nuit ». Le tableau représente une compagnie de la milice dont les membres sont prêts à intervenir à toute heure pour défendre la ville ou pour réprimer des révoltes. Les portraits de groupes étaient très populaires dans ce temps-là. Pour améliorer la composition, Rembrandt a ajouté les autres personnes. La manière dont Rembrandt a disposé les personnages crée une immense vitalité. L'utilisation frappante de la lumière et de l'ombre renforce cette impression. Certains éléments sont peints en détail, tandis que les autres nous donnent l'impression que Rembrandt a appliqué des coups de pinceau très épais. Ce tableau est distingué des autres peintures de milice qui ont été faites en même temps parce que Rembrandt a fait un travail très remarquable et impressionnant techniquement. Ce n'est pas un hasard que Rembrandt ait acheté une maison dispendieuse précisément à cette époque, certainement avec la commission qu'il a reçue pour cette peinture.
6. La Cène par Léonard de Vinci
La Cène
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« La Cène » a été peinte par Léonard de Vinci entre 1495 et 1498 pour le réfectoire du couvent de Santa Maria delle Grazie, à Milan, en Italie. Cette peinture a été commandée par le duc de Milan, Ludovico Sforza, qui était aussi un admirateur de Vinci. La peinture dépeint l'atmosphère du choc et de la confusion ainsi que les réactions de chacun des Douze Apôtres. Jésus-Christ vient de leur annoncer que l'un d'eux le trahirait. Cette scène est peinte comme elle est décrite dans l'Évangile selon Jean (13,21). Malgré de nombreuses tentatives de restauration, les dommages environnementaux ont fait disparaître une grande partie de la peinture d'origine. Cette peinture a depuis été copiée, réinterprétée et refaite à plusieurs reprises par divers artistes tels que Salvador Dali, Andy Warhol, Marisol Escobar et d'autres. La dernière grande restauration s'est achevée en 1999. Aujourd'hui encore, l'œuvre se trouve là où elle a été peinte, dans le réfectoire du couvent de Santa Maria delle Grazie, à Milan.
7. Les Nymphéas par Claude Monet
Les Nymphéas
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Une série d'environ 250 tableaux appelée « Nymphéas » a été peinte par le peintre français Claude Monet entre 1896 et 1926. Ces tableaux représentent un étang de nénuphars de son jardin. L'ensemble est l'une des plus grandes réalisations du début du XXe siècle. Mis côte à côte, les tableaux donnent l'illusion d'un paysage infini parsemé de nénuphars, d'arbres et de reflets de nuages. En 1883, Monet a été frappé par la beauté d’un village français en l'apercevant depuis un train. Il a loué une maison dans ce village, Giverny, puis l'a achetée dès qu'il en a eu les moyens. Monet réorganise les paysages dans son jardin pour avoir de l'inspiration pendant son travail sur les paysages. Il disait qu'il était bon seulement pour peindre les paysages et pour faire son jardin. Il a créé un endroit vraiment idéal pour y passer le reste de sa vie et peindre à l'huile dans une réflexion tranquille. Les quelque 250 tableaux de la série sont répartis dans les musées les plus renommés du monde.
8. La Nuit étoilée par Van Gogh
La Nuit étoilée
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Cette peinture de l'artiste néerlandais Van Gogh a été peinte en 1889. Le Musée d'art moderne de New York la possède depuis 1941. Cette œuvre est considérée comme l'une des meilleures œuvres de Van Gogh et l'une des œuvres les plus importantes de la peinture occidentale. De mai 1889 à mai 1890, Van Gogh a séjourné à l'hôpital psychiatrique de Saint-Paul-de-Mausole, à Saint-Rémy-de-Provence. Le tableau, peint dans l'atelier de l'hôpital, représente la vue depuis la fenêtre de sa chambre. On y voit aussi le ciel avant l'aube et un village imaginaire.
9. Guernica par Pablo Picasso
Guernica
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« Guernica » est une peinture de Pablo Picasso, réalisée en 1937 pour le gouvernement de la République espagnole pour le pavillon espagnol à l'exposition universelle de Paris. Cette œuvre est un amalgame de styles pastoraux et épiques. L'intensification du drame est faite par l'abandon de couleur reproduisant un effet de reportage, d'un enregistrement photographique. Les couleurs de « Guernica » se limitent au gris, au noir et au blanc. C'est une toile murale peinte à l'huile, haute de 3,5 mètres et large de 7,8 mètres. On peut voir cette peinture au musée Reina Sofía, à Madrid. « Guernica » montre les tragédies de la guerre et les souffrances qu'elle inflige à des individus, en particulier des civils innocents. Ce travail a acquis un statut monumental, devenant un rappel perpétuel des tragédies de la guerre, un symbole antiguerre, et une incarnation de la paix.
10. Les Époux Arnolfini par Jan Van Eyck
Les Époux Arnolfini
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La peinture de Jan Van Eyck « les Époux Arnolfini » est le premier célèbre portrait de deux personnes dans la peinture européenne. Cette œuvre est l'une des plus importantes des primitifs flamands. On la considère comme l'une des premières peintures exécutées à l'huile sur panneau de chêne. Elle est conservée à la National Gallery de Londres. Ce portrait représente un marchand et une femme qui pourrait être son épouse. Le portrait du couple Arnolfini est l'un des meilleurs exemples de portrait intime dans l'œuvre de l'artiste. Les personnages sont dans un environnement familier pour eux. Chaque détail de l'intérieur de leur maison est représenté avec soin.
Cette peinture se distingue un peu du reste des œuvres de Van Eyck. L'artiste nous donne la possibilité de voir ses contemporains dans un cadre ordinaire, dans toute leur humanité.
L'artiste a changé peut-être délibérément les proportions des personnages pour mettre en évidence leurs têtes et leurs mains et pour les rapprocher de l'idéal de la beauté de cette époque.
11. Le Baiser par Gustav Klimt
Le Baiser
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« Le Baiser » est une peinture de l'artiste autrichien Gustav Klimt, réalisée en 1907-1908. Elle se trouve au musée du Belvédère (Österreichische Galerie Belvedere), à Vienne, en Autriche. L'artiste a beaucoup travaillé avec la couleur d'or et avec des feuilles d'or à cette époque. Cette période est appelée la « période dorée » de Klimt. La popularité des peintures de cette période est liée à l'usage de l'or comme couleur. Depuis des temps immémoriaux, l'or évoque des associations magiques et religieuses, ainsi qu'une idée de valeur et de signification. L'éblouissante lueur émanant de l'or se lie étroitement avec le contenu de l'image. L'aura de la toile et sa beauté expriment la valeur de l'or et représentent le couple d'amoureux comme un symbole de bonheur érotique insouciant.
Certains chercheurs supposent que Klimt lui-même et sa compagne Emilie Flöge en sont les modèles.
12. La Persistance de la mémoire par Dali
La Persistance de la mémoire
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Selon le récit de Dali, c'était un soir. Il devait aller avec Gala et leurs amis au cinéma, mais au dernier moment, il a décidé de rester à la maison parce qu'il était fatigué et avait une migraine. Gala est allée au cinéma avec des amis, et Dali a décidé de se coucher un peu plus tôt. Sur la table, il y avait un délicieux camembert mou qui traînait dans son assiette après le souper. L'artiste est allé à l'atelier pour jeter un œil à son travail. Cette peinture représentait le paysage des environs de Portlligat, où ils avaient acheté une maison de pêcheur. Dali a pensé qu'il fallait ajouter une idée à ce paysage. Au moment d'éteindre la lumière, il a littéralement vu la solution : deux montres molles, dont l'une pend plaintivement à la branche d'un olivier. Il a préparé la palette et a repris le travail. Deux heures plus tard, quand Gala est rentrée du cinéma, le tableau était terminé. Dali a ensuite créé des chefs-d'œuvre les uns après les autres en peuplant ses paysages de cette image de la montre molle.
13. American Gothic par Grant Wood
American Gothic
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« American Gothic » est un tableau de l'artiste américain Grant Wood, créé en 1930. C'est l'une des images les plus reconnaissables dans l'art américain du XXe siècle. La peinture représente un fermier avec sa fille sur le fond d'une maison construite dans le style néogothique américain dit « Carpenter Gothic ». L'agriculteur tient la fourche dans sa main droite avec un poing serré, comme on tient une arme. Selon un certain nombre de critiques, Wood a réussi à transmettre le manque d'attrait du père et sa fille avec les lèvres serrées. La fille est habillée d'un tablier déjà sorti de la mode. Nan, la sœur de l'artiste, qui a servi de modèle pour cette œuvre, a trouvé une bordure de tablier dans les vieux vêtements de sa mère. Byron McKeeby, un dentiste de Cedar Rapids (Iowa), est devenu le modèle pour le fermier. La composition du tableau ressemble à des photos américaines de la fin du XIXe siècle. La retenue puritaine des personnages est en grande partie conforme au réalisme européen des années 1920, que Wood a rencontré lors d'un voyage à Munich.
14. Terrasse du café le soir par Van Gogh
Terrasse du cafe le soir
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« Terrasse du café le soir » est une œuvre du peintre néerlandais Van Gogh. Connue aussi sous le nom de « Terrasse de café sur la place du Forum », cette peinture a été réalisée par Van Gogh à Arles en septembre 1888. Elle est aujourd'hui conservée au musée Kröller-Müller, à Otterlo (Pays-Bas). Depuis un certain temps, Van Gogh avait l'intention de peindre une scène nocturne avec une abondance de couleurs, c'est-à-dire autrement qu'avec les gris et les noirs conventionnels. L'aspect le plus accrocheur est le contraste marqué entre les couleurs chaudes: jaune, vert et orange sous la marquise du café, et le bleu profond du ciel étoilé, qui est renforcé par le bleu foncé des maisons à l'arrière-plan.
15. La Naissance de Vénus par Sandro Botticelli
La naissance de Vénus
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La grande toile « La Naissance de Vénus » a été peinte par le grand maître Sandro Botticelli vers 1485. Ce chef-d'œuvre de la Renaissance est exposé à la galerie des Offices, Florence. La peinture représente le mythe de la naissance de Vénus. L'artiste montre une Vénus magnifique, nouvellement née de l'écume de la mer très tôt le matin, quand les ténèbres de la nuit ne se sont pas encore reculées. Zéphyr, dieu du vent d'ouest, pousse vers le rivage la coquille sur laquelle se tient la déesse de la beauté. L'espace ouvert de la mer et du ciel est représenté sur la peinture. Sur le rivage, une Heure, l'une des gardiennes de l'Olympe, accueille Vénus et lui tend un précieux manteau brodé de fleurs, qui cachera sa nudité. L'artiste a peint avec amour son héroïne principale. C'est ce que disent ses caractéristiques parfaitement belles, irréprochables et harmonieuses. Sur les épaules de Vénus tombent de longs cheveux dorés, soulevés par le vent ; son visage est doux et mélancolique.
16. Bal du moulin de la Galette par Renoir
Bal du moulin de la Galette
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« Bal du moulin de la Galette » est un tableau peint par le peintre français Pierre-Auguste Renoir en 1876. La peinture est conservée au musée d'Orsay, à Paris. Cette peinture est peut-être le travail le plus célèbre de Renoir. Elle représente une atmosphère vivante et énergique au bal en plein air du moulin de la Galette, à Paris. Renoir a relevé le défi de capturer le moment à travers ses coups de pinceau et l'utilisation de la couleur.
En 1876, Renoir louait un studio avec jardin non loin du Moulin de la Galette, un restaurant avec une salle de danse en haut de Montmartre. L'action principale se déroulait en plein air, où des tables étaient disposées en cercle. Renoir a demandé à ses amis de poser pour le tableau. On peut trouver certains d'entre eux parmi les gens assis aux tables. En peignant ce tableau, l'artiste a fait face à une tâche difficile : rendre les reflets éblouissants du soleil qui perce à travers le feuillage des acacias sur les vêtements des danseurs et des personnes assises. Il a parfaitement relevé ce défi.
17. Le Jardin des délices par Jérôme Bosch
Le Jardin des délices
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« Le Jardin des délices » est le plus célèbre triptyque de Jérôme Bosch. Le titre original de ce travail de Bosch est inconnu. Les chercheurs l'ont appelé « Le Jardin des délices terrestres », car le panneau central est consacré au péché de la luxure (luxuria). La plupart des interprétations de la peinture ont été développées au XXe siècle, et aucune ne fait l'unanimité. C'est l'expression d'un artiste de la fin du Moyen Âge qui croyait que Dieu, le diable, le paradis et l'enfer étaient réels. Ce tableau représente les trois scènes : le panneau gauche montre le Christ présentant Ève à Adam, le panneau droit montre les déprédations de l'enfer. Le panneau central représente une humanité livrée aux plaisirs terrestres. On considère parfois ce triptyque fantastique comme un lointain précurseur du Surréalisme.
18. La Madone Sixtine par Raphaël
La Madone Sixtine
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« La Madone Sixtine » tient son enfant en flottant sur un tapis tourbillonnant de nuages. De part et d'autre, nous voyons saint Sixte et sainte Barbe. Au pied du tableau se trouvent deux anges qui regardent en contemplation. Il y a eu beaucoup de spéculations sur la tristesse, voire les expressions pétrifiées, du visage de la Vierge et de l'Enfant Jésus. Pourquoi sont-ils si tristes et terrifiés ? La réponse devient claire lorsque nous considérons l'emplacement prévu à l'origine de l'œuvre. À l'origine, la peinture faisait face à un grand crucifix. La Madone et l'Enfant Jésus regardent la crucifixion. Saint Sixte désigne lui aussi la scène de la crucifixion, et non le spectateur. Les figures forment un triangle. Le rideau ouvert sur les côtés souligne de plus la pensée géométrique de la composition. C'est l'une des premières œuvres dans lesquelles le spectateur se trouve inscrit dans la composition. Il semble que la Madone descende du ciel à la rencontre du public et les regarde dans les yeux. À la fin de la Seconde Guerre mondiale, en janvier 1945, « La Madone Sixtine » a été cachée, comme d'autres tableaux de la galerie de Dresde, dans un wagon placé dans une carrière à une trentaine de kilomètres au sud de la ville. En mai 1945, les peintures ont été découvertes par un groupe de soldats soviétiques. Après la guerre, la peinture était stockée dans les réserves du musée Pouchkine à Moscou jusqu'à ce qu'elle soit retournée à Dresde en 1955.
19. La Danse par Matisse
La Danse par Matisse
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En 1909, Matisse reçoit une importante commande. Un marchand et collectionneur russe extrêmement riche, Sergueï Chtchoukine, demande à Matisse de créer de grands panneaux décoratifs pour sa maison de Moscou. Il existe deux versions de cette peinture d'Henri Matisse : la première est au Musée d'art moderne de New York, la deuxième, la plus célèbre, au musée de l'Ermitage à Saint-Pétersbourg.
20. Mont Sainte-Victoire par Cézanne
Mont Sainte-Victoire par Cézanne
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La peinture « Mont Sainte-Victoire » a été créée en 1904 par Cézanne. Cette œuvre étincelante d'aperçus, d'hésitations et de réflexions reflète la vision brisée de Cézanne. Cézanne s'est concentré sur le paysage autour de sa ville natale, il a fait de ce paysage une étude de la forme et de la couleur.
Alors que les impressionnistes peignaient par touches courtes et épaisses, Cézanne utilisait des couleurs fortes et soulignait en bleu foncé des formes telles que le tronc de l'arbre et les champs.
Son intérêt pour la forme et la ligne est souligné par la forme des branches et la façon dont elles reprennent parfaitement le contour de la montagne derrière.
La simplification du paysage par Cézanne pourrait être interprétée comme un retour à une époque de formes équilibrées et harmonieuses plutôt qu'à une ornementation complexe, ainsi qu'un saut vers le modernisme. Les coups de pinceau parallèles structurés qui fragmentent la surface de la composition, ainsi que les couleurs audacieuses, séduisent les jeunes artistes et ouvrent la voie à l'abstraction.
21. Le Cri par Edvard Munch
Le cri par Edvard Munch
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« Le Cri » est la plus connue et la plus reproduite des œuvres d'Edvard Munch. Il attire l'attention du spectateur par des couleurs expressives, les lignes fluides, les émotions d'individu. « Le Cri » est une série de peintures de l'artiste expressionniste norvégien Edvard Munch. Cette série a été créée entre 1893 et 1910. Elles représentent une silhouette humaine criant dans le désespoir sur le fond du ciel rouge et le fond de paysage extrêmement généralisé. En 1895, Munch a créé une lithographie sur le même sujet. « Le Cri » est comme un emblème de l'expressionnisme. Elle est comme une sorte de prélude à l'art du XXe siècle, en anticipant les principaux thèmes du modernisme de la solitude, du désespoir et de l'aliénation.
22. Le Déjeuner sur l'herbe par Édouard Manet
Le Déjeuner sur l'herbe
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« Le Déjeuner sur l'herbe » est la célèbre peinture de l'artiste français Édouard Manet, réalisée en 1863. Actuellement, elle est située dans la 19e salle du musée d'Orsay à Paris. Ce tableau a suscité de nombreuses controverses lors de sa première exposition et suscite encore aujourd'hui beaucoup de curiosité et d'incertitude. Refusé par le jury du Salon de 1863, le tableau a été présenté au Salon des refusés. Le rejet a été provoqué par la représentation d'une femme nue en compagnie d'hommes habillés en dandys. Cette incongruité suggère que la femme n'est pas une déesse, mais un modèle, ou peut-être une prostituée. Cette peinture à l'huile est souvent associée aux débuts de l'impressionnisme. Cependant, le message du peintre n'est pas clair. Certains chercheurs disent que l'idée de cette œuvre c'est de montrer l'état déplorable des femmes dans la société. Bien que cette explication semble invérifiable, il est encore plus étonnant qu'il n'y ait aucune signification métaphorique pour la nudité de cette femme.
Questions fréquentes
Quel est le tableau le plus célèbre du monde ?
La Joconde (Mona Lisa) de Léonard de Vinci, conservée au Louvre à Paris, est largement considérée comme le tableau le plus célèbre de l’histoire. On l’admire autant pour ses qualités artistiques que pour le mystère qui l’entoure.
Qu’est-ce qui rend un tableau célèbre ?
La technique employée, l’idée qu’il communique et sa pertinence au fil du temps. Les tableaux les plus célèbres ont été créés par des artistes visionnaires et traversent les siècles.
Où se trouve La Nuit étoilée de Van Gogh ?
La Nuit étoilée est conservée au Musée d’art moderne (MoMA) de New York. Van Gogh l’a peinte en 1889, pendant son séjour à l’hôpital psychiatrique de Saint-Rémy-de-Provence.
Pourquoi La Cène est-elle toujours à Milan ?
Léonard de Vinci a peint La Cène directement sur un mur de Santa Maria delle Grazie, à Milan, entre 1495 et 1498. L’œuvre ne peut pas être retirée et transportée dans un musée sans être endommagée.
Que représente Guernica de Picasso ?
Peint en 1937, Guernica répond au bombardement de la ville espagnole de Guernica pendant la guerre civile. Le tableau montre les souffrances que la guerre inflige aux civils et est devenu un symbole durable contre la guerre.
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